Il giovane favoloso un film diverso e necessario.

Stupore per una pellicola che è al di fuori della logica del nostro tempo. Da un punto di vista cinematografico il film «Il giovane favoloso» del regista Mario Martone è estraneo e lontano mille miglia dai film di azione e di violenza, da quelli comici come da quelli di sesso che siamo abituati a vedere quotidianamente da una cinematografia e una televisione aberranti e perverse. La visione lascia dietro di noi la sensazione del ricordo di qualcosa di lontano, di un mondo conosciuto ma allo stesso tempo caduto nell’oblio e adesso riscoperto con accenti nuovi e per alcuni aspetti disorientanti. Dietro allo stupore c’è poi qualcosa di più dei ricordi d’infanzia, recuperati qua e là nel film con frammenti di versi di poesie che ci fanno rivivere Giacomo Leopardi come un volto amico, conosciuto da sempre, un giovane di cui fidarsi perché compagno di giovinezza. C’è un universo di interiorità che avevamo relegato in soffitta, come si fa con i giocattoli della nostra infanzia, che adesso esce fuori allo scoperto e reclama riflessioni adeguate e considerazioni necessarie dopo la visione del film. Per parlare di Leopardi, del romantico e caro Giacomo, non è possibile escludere dall’analisi i giorni felici della nostra gioventù sui banchi di scuola che, come minimo, ci condizionano nella riflessione del film. Chi può dimenticare il nome Silvia senza avere provato emozioni e trepidazioni a non finire alla sola idea di immaginare un perfetto esempio di bella ragazza della nostra adolescenza possibile solo nei sogni o, meglio, nei versi di un poeta? Questa accoppiata formata da giorni lieti e spensierati della nostra giovinezza e del volto soave della fanciulla Silvia, è la base di una possibile riflessione, incanalata lungo una pista di ricordi e di emozioni che ci coinvolge tutti come spettatori interessati, in grado di suscitare parole sensate di commento del film. Non sappiamo se la nostra riflessione, per molti versi inadeguata, centrerà l’obiettivo. Probabilmente non sarà così perché è di sicuro carente e anche manchevole di una adeguata riflessione letteraria. Tuttavia noi tenteremo lo stesso di proporre il nostro punto di vista su Giacomo Leopardi del film di Martone. Noi non siamo esperti di cose letterarie ma abbiamo il coraggio di tentare una nostra personale recensione. In fondo in fondo si tratta solo del punto di vista di uno spettatore che ha visto il film. Per comprendere adeguatamente il “senso” della proposta cinematografica di Martone è necessario innanzitutto azzerare l’abitudine alla prassi delle visioni dei film contemporanei che normalmente si vedono nelle nostre sale cinematografiche. Qui - come si suol dire in questi casi - “il gioco si fa duro” e non è possibile distarsi né, peggio, fare appello a una filmografia deviante come è quella che purtroppo impera nella nostra contemporaneità. Film come quelli di Martone (ricordiamo anche il precedente “Noi credevamo”, con tutte le sue implicazioni socio-politiche) sono quasi sempre opere cinematografiche attinenti alle nostre esigenze di spiritualità, spesso legate alla dimensione storica della italianità, peraltro ormai ridotte al lumicino da una cinematografia odierna che deborda quasi sempre in volgarità e artificiosità, entrambe estranee al mondo di coloro che hanno avuto in Giacomo Leopardi un esemplare perfetto di poeta e uno stile di vita certamente di alto profilo lirico e pedagogico. La premessa al commento che propongo qui, parte dal presupposto che se si vogliono comprendere le ragioni di questo esempio di eccellente cinematografia è necessario uno sforzo di recupero di memoria degli studi letterari fatti a suo tempo. E forse non basta neanche. Probabilmente è necessario che si possa parlarne in modo più intimo e con sentimento. Altrimenti si fallisce. E, comunque, non è facile lo stesso perché siamo profondamente disabituati a commentare una cinematografia che tocca un gigante, forse un tabù, della nostra cultura letteraria. Qui il mondo di letteratura, di storia e di poesia nel quale la trama si dipana rappresenta una specie di introduzione, come quando si legge un romanzo e all’inizio l’Autore sente la necessità di fare una proposta di avviamento alla storia per spiegarne il senso. Se si riesce, quasi subito si è costretti a identificarsi con il protagonista, un Giacomo Leopardi giovanile ma abbastanza diverso da come lo abbiamo immaginato a suo tempo a scuola, sui banchi della nostra classe, che ci ha visti effettuare all’ultimo anno di studi secondari quel percorso di umane lettere che ha sempre costituito per molti versi l’iniziazione alla cultura e al possesso di un DNA tipico della vera italianità. Per capire un po’ quali potessero essere i presupposti per parlare di questo film, e perché questi e non altri, è necessario pertanto mettere a fuoco gli stati d’animo di Giacomo Leopardi con quelli provati da noi spettatori a proposito di molte scene che producono emozioni e commozione a non finire. Si. «Il giovane favoloso» è un film che turba e mette inquietudine ma che è anche consapevolezza del ruolo che Giacomo Leopardi e la sua poesia hanno giocato nella sua e nella nostra vita, soprattutto durante la nostra età giovanile. Il film produce in noi una sequenza drammatica di successioni di stati d’animo, per alcuni aspetti poco piacevoli ma necessari, con colpi di scena e lunghe pause monotone in grado di farci subire gradevolmente il lento dipanare della sua storia per tutto il lungo tempo della proiezione. Un tempo, lo diciamo subito e chiaramente, che è qualcosa di bello e di gradevole da commentare, come se improvvisamente dopo decenni di torpore avessimo avuto tutto d’un tratto riprovato le piacevoli sensazioni che ci hanno accompagnato nel nostro percorso giovanile di studi letterari prima della maturità. La prima cosa che viene in mente dopo aver visto Il Giovane favoloso è il clima familiare che lo circondò da giovane nella Recanati del suo tempo. Anche nel romanzo “I Buddenbrook” di Thomas Mann c’è una simile situazione iniziale. L'idea della vita di una famiglia di ambiente borghese che ricostruisce le modalità della educazione e della formazione di un giovane figlio interessato agli studi letterari come convincente poeta non è nuova. Ciò che è nuovo è invece la maniera nella quale si sviluppò la sua giovinezza. In ogni caso il clima familiare respirato in età giovanile - così come riprodotto da Martone - rappresenta una vera novità, per alcuni aspetti imprevisti, sulla quale non avevamo mai avuto la possibilità di riflettere abbastanza. Al di là del ruolo della mamma bigotta e dell’educazione puritana organizzata dall’ossessivo padre Monaldo, che furono per lui molto rigidi e nello stesso tempo rigorosi, l’ambiente familiare e del borgo recanatese lo segnò per tutta la vita. Produsse in lui moti di ribellione e stati depressivi di forte intensità ed emotività, rodendolo dal di dentro tra l’altalenante atteggiamento di ribellione e quello di ubbidienza, tra la dimensione rivoluzionaria di guerriglia interiore e l’assoggettamento ai volere del padre, tipica dei figli di quel tempo. Volendoci identificare in lui troviamo che in quei tempi la logica della vita era proprio la sottomissione e non certo la protesta o, peggio, la ribellione. Era cioè scontato e ineludibile che le famiglie dabbene del tempo dovessero comportarsi nella identica maniera in cui si comportarono i genitori di Giacomo in quella Recanati piena di parenti tradizionalisti e conservatori fino al più profondo dell’anima. Era pertanto più che logico che una delle famiglie nobili più in vista di Recanati, consapevole del ruolo sociale che doveva svolgere nel borgo e abbastanza ricca da poterselo permettere, producesse quel contesto sociale e familiare in cui dovette navigare perigliosamente il nostro Giacomo, sventuratissimo eroe letterario e fenomeno di cultura italiana in ascesa. La sua, infatti, fu una famiglia in cui il contrasto tra il suo essere figlio e l’essere anche fratello di due ragazzi della sua stessa età lo fecero diventare l’orgoglio e la speranza della famiglia. Mentre fratello e sorella avevano preso la decisione di accettare tout court la prassi educativa imposta loro dai genitori, Giacomo si rifiutò sempre nelle forme dovute di subire la medesima sorte dei suoi fratelli. Tant’è che nonostante l’impegno di tutti a non far emergere comportamenti inadeguati risultò sempre evidente il contrasto tra il suo essere figlio del padre e l’essere figli dello stesso padre dei suoi fratelli. Nel tempo in cui gli uni avevano fatto propria la logica di quel tempo - che li vedeva impegnati quasi esclusivamente a studiare, a scrivere e a commentare senza distrazioni di alcun tipo - Giacomo, viceversa, ebbe in successione moti di ribellione e subito dopo moti di sottomissione, altalenandoli come ho detto prima senza poterli controllare e ingenerando sospetti. Giacomo aveva percepito da un po’ l’immensa ricchezza culturale che bolliva nel suo mondo interiore e in quella prospettiva avvertiva il possesso di un estro e di una sensibilità nei confronti della natura e della realtà circostante che gli facevano sentire con eccitazione la ricchezza del proprio pensiero e della propria fantasia ingabbiata in una situazione familiare ed educativa purtroppo per lui di tipo repressivo. Il risultato fu che la sua vena letteraria, ancorché essere scontata per quei tempi, venne vissuta da lui con affanno e con rabbia perché si sentiva come un canarino in gabbia. Da qui lo spirito di melanconia e di tristezza che lo perseguitarono per tutta la vita. Mai domo protrasse il lungo periodo dell’adolescenza e l’inizio della maturità tra stati e sensazioni di malessere ma anche di gratificazioni.

Ma melanconia e tristezza diventavano ancora più forti di fronte all’incontro-scontro con la figura materna. Quante volte la mamma lo riprese perché incapace di controllare anche i sui bisogni fisiologici. Il tagliare la carne a tavola con la forchetta la rendevano vendicativa e incontrollata nell’ira e nel sarcasmo più anaffettivo che si potesse immaginare. Giacomo visse il suo deficit fisico con rabbia e sensi di colpa perché dovette accettare lo scontro con il suo malessere fisico a cui si accompagnarono forti e ricorrenti crisi nervose. Queste crisi furono certamente il risultato dell’anaffettività e dalla lontananza della madre nei suoi confronti. In questo il padre, possessivo fino all’inverosimile, cercò di supplire, in parte al ruolo materno, ma senza riuscirvi. Com’è noto il periodo storico in cui Giacomo visse (1798-1837) dal punto di vista letterario fu caratterizzato dalla presenza della corrente del romanticismo e della corrente dell’illuminismo. La prima si proponeva la rivalutazione nei confronti del razionalismo del sentimento, della fantasia, della spontaneità e della soggettività con la valorizzazione della religiosità cristiana mentre la seconda praticamente affermava la supremazia del pensiero e della ragione su tutte le vicende. Ovviamente l’illuminismo è una corrente letteraria che non veniva vista di buon grado dalla chiesa cattolica, particolare di non poco conto questo nella Recanati delle Marche che era territorio governato dallo Stato Pontificio. Giacomo rimane affascinato da questa corrente letteraria a tal punto da scrivere molte lettere a Pietro Giordani, ad Antonio Ranieri e ad altri. Viene molto apprezzato dai letterati dell’epoca per questo suo pensiero nuovo e rivoluzionario. Il padre Monaldo intuisce questa esigenza di libertà di Giacomo e cerca di trattenerlo, fino al punto di impedirgli di fuggire da casa, tenendolo sotto continuo controllo divenendo così un grosso scoglio per i suoi progetti. E’ interessante il fatto che a nostro avviso il regista ha lasciato che fosse lo spettatore a intuire questo duello psicologico tra padre e figlio. In verità non ci sono scene forti e cruente all’infuori di quell’unica scena che lo vede accusato prima dal padre e poi dallo zio. Molto intensa è la scena in cui Giacomo con voce sommessa e controllata manifesta il suo pensiero al padre che nel suo intimo, invece, viene urlato, gridato fino a produrre forti contorsioni muscolari. E’ un suo desiderio quello di urlare il suo pensiero al mondo intero, non certo di ribellarsi al padre perché in lui continua ad esistere la logica della sottomissione, scrupolosa e fedele ai genitori. Il regista è stato molto bravo nel rendere evidente questo dissidio, questa battaglia psicologica tra il sentire una emozione e il volerla comunicare dovendola filtrarla sempre alla luce di una educazione rigorosa e rispettosa dei genitori. Altra immagine cinematograficamente forte è quella relativa al padre Monaldo che si traveste da conducente della carrozza sulla quale, e con la quale, Giacomo Leopardi voleva scappare di casa. Un vero e proprio colpo basso del padre che voleva a tutti i costi tenere sotto controllo tutto ciò che riguardasse il figlio. Gli sguardi del padre Monaldo al figlio Giacomo, comunque, sono e rimangono una costante del film. Si potrebbero discutere molte scene del film, in ognuna delle quali si potrebbe scoprire un pezzo della personalità di Leopardi. Per esempio potente è la scena quando Giacomo sta sfogliando un libro di anatomia in cui sono rappresentati le gonadi. Per la prima volta Giacomo si trova davanti a questa rappresentazione grafica del corpo umano e si sente attraversato da una forte eccitazione che non riesce a controllare, perché è come se avesse avuto conferma dei suoi attributi attraverso questa immagine. Tuttavia la natura è più forte, per cui quando lui scappa e va nel prato è perché ha un forte stato di eccitazione, una vera e propria polluzione. Il padre Monaldo svolge nel film la parte del genitore severo che riesce a tenere tutto sotto controllo, in modo capillare ed assillante. Forte è anche un’altra scena che lo riguarda , quando Giacomo non rientra a casa la sera e il suo amico Antonio Ranieri chiede alla sorella : “ma non è ancora rientrato”? La risposta è: “no, lo aspetto da due ore”. Ranieri è preoccupato, perché nutre un sincero e forte affetto di amicizia per lui. Si preoccupa e lo va a individuare nei bassifondi della città del Vesuvio, in una situazione di degrado tipicamente napoletana. Nonostante venisse deriso perché gobbo, in una città che crede quasi solo ad amuleti e portafortuna, tant’è che la signora che serviva il vino agli avventori a un certo punto gli dice : “ehi, dacci i numeri. Dacci i numeri”. E quando inconsapevolmente Giacomo dice alcuni numeri tra i quali il 96 tutti avvertono che lui è un diverso, che non conosce il mondo della superstizione e nella scena prevale l’aspetto del folclore tipico del luogo. Attenzione però a non credere che lui fosse uno sciocco. Leopardi in precedenza aveva definito i napoletani “popolo di canaglie”, canaglie non solo a livello di popolo ma canaglie in quanto eruditi e intellettuali del luogo, con cui aveva avuto dei problemi e molti diverbi. Dunque, viene deriso, ma è talmente forte in lui il piacere di sentirsi ascoltato e di sentirsi addirittura invitato a declamare qualche verso di poesia che si lascia andare compiaciuto e, per la prima volta, beve e sorride. Sorseggia e brinda ripetutamente senza freni, perchè questo è tipico delle persone timide che quando si sentono a proprio agio in un ambiente a loro favorevole che li sostiene e li accoglie manifestano la propria natura. Un aspetto da rimarcare è che lo stesso Leopardi ogni tanto perdeva le staffe, cioè si indignava ma solo quando qualcuno metteva in collegamento la sua visione filosofica come conseguenza del suo stato fisico. L’accusa che gli si muoveva spesso è la seguente: “voi siete così pessimista perché la natura non è stata generosa con voi”. Lui si è sempre ribellato ed ha sempre respinto con veemenza questo accostamento. Leopardi era pessimista non per il suo stato fisico bensì per la visione che aveva della vita così come da lui narrata alla luce del suo pensiero filosofico. A dodici anni aveva imparato l’ebraico e il greco. Il latino lo traduceva all’impronta, su due piedi. Lui è in corrispondenza con i grandi del tempo esclusivamente filologi tedeschi, che avevano compreso il suo valore.
Quando si parla della “questione Leopardi”, di un uomo infelice nella sua Recanati si dice una verità. E’ vero. Va aggiunto però che Recanati si trova nelle Marche in provincia di Macerata e le Marche a quel tempo facevano parte di quel complesso di territori che dipendevano dallo Stato Pontificio. E la vita nel cattolicissimo Stato Pontificio non era propriamente “illuminista” ma, al contrario, terribilmente reazionaria. C’era ed era palpabile la paura dell’illuminismo, una vera e propria paura che le idee rivoluzionarie francesi potessero arrivare nei territori vaticani e contaminare il popolo. La conseguenza fu un mondo in cui il pensiero era rinsecchito.

Lo stesso padre Monaldo era un personaggio severo e tremendo, che andrebbe giudicato in maniera corretta partendo dal presupposto che era a suo modo un uomo erudito e colto. Era un dotto. Vuole che il figlio sia famoso. Pone tanta fiducia nel figlio ma è geloso della sua grandezza letteraria e in definitiva avrebbe voluto essere lui al suo posto. Monaldo è molto colto, scrive addirittura qualche opera ma si accorge che Giacomo è una luce vivissima e un faro di cultura. Vede che potrebbe diventare la gloria per le lettere e lo incoraggia in tutti i modi. Ha la famosa libreria in casa, frutto di raccolte nel giro di anni perché appassionato che mette a disposizione del figlio per realizzare questo sogno.
Ci sono troppi aspetti nel film che sono suscettibili di ulteriori commenti e approfondimenti. In primo luogo c’è, per esempio, la possibilità di recuperare una traccia del film che attraversa le varie fasi della storia. La prima parte del film è infatti incentrata sull’educazione dei figli. La libreria sta al centro della scena. Questa libreria è importante, è ampia e ricca di testi. I precettori, un abate e alcuni religiosi incaricati di educare, sono le figure esterne di casa Leopardi accreditate come studiosi colti a cui veniva data in mano la formazione culturale dei figli. Si tratta di un gigantesco sistema scolastico riservato e personalizzato che veniva realizzato privatamente in casa, con orari, tempi e modalità inclusive totalizzanti. In secondo luogo la figura materna e il suo ruolo che a un certo punto Giacomo identifica con l’immagine di una statua di pietra che si sgretola improvvisamente, frantumandosi in mille pezzi. Psicologicamente interpretiamo il fatto come la conseguenza di una figura familiare assente nella sua vita affettiva. Chissà quante volte Giacomo è stato colto da stati malinconici per la lontananza della figura materna nella sua vita. Forse la sua dirimpettaia Silvia è stata così altamente idealizzata proprio per l’assenza nella sua vita della figura della mamma. In terzo luogo il ruolo dei fratelli nella sua vita. Il fratello della sua stessa età, e la sorella altrettanto, sono importanti perché Giacomo Leopardi rimase molto unito con entrambi, forse di più con la sorella Paolina piuttosto che col fratello Carlo. I fratelli, più o meno passivamente, avevano fatta propria la scelta educativa e culturale imposta loro dal padre Monaldo, arrendendosi a seguire le regole molto tradizionali che prescrivevano un approccio educativo rigido ma sicuro, da seguire fino in fondo. Solo che Giacomo mal si adatta a questa logica. Nell’assecondarlo con discrezione anche loro attraverso Giacomo cercano di esprimere il proprio dissenso da questo stato di cose ma non hanno né la voglia, né la carica del fratello per andare fino in fondo. La figura dei fratelli è importante perché Giacomo “sente” che loro lo capiscono, comprendono il suo anelito alla libertà e più o meno segretamente lo incoraggiano. E poi la figura centrale del padre oppressivo. Vorremmo citare brevemente anche Teresa Fattorini, la giovane Silvia che, diciamo la verità, nell’economia del film passa inosservata se non per un cenno di solidarietà portato direttamente alla famiglia della giovane con la sua presenza nel giorno del lutto. Eppure Teresa, alias Silvia, lo sappiamo è stata terribilmente importante nella vita di Giacomo. Il rimembrare i giorni passati è stato e sarà sempre uno dei momenti lirici più forti della poesia leopardiana. Il film non tralascia di mettere in evidenza i sentimenti sperimentati dal protagonista. Tuttavia, risulta essere un’opera cinematografica che insiste poco sugli aspetti intimi dell’amore utopistico del protagonista. Alcuni di questi aspetti sono valorizzati nella sua poesia per scelta del regista che forse è interessato di più alla dimensione socio-politica della sua vita piuttosto che ai sentimenti poetici. Da questo punto di vista, il film è disorientante proprio perché affronta temi leopardiani estranei alla prassi scolastica come lo possono essere quelli di tipo più propriamente politici, professionali, epistolari col mondo della cultura. Questo film, contrariamente all’immagine che avevamo del poeta da giovani nella nostra memoria scolastica, descrive una figura contraddittoria, dal carattere fragile e nel contempo forte. Anzi, in alcuni casi appare determinato ed ostinato, tanto da non riconoscervi per niente il Giacomo Leopardi descritto dai libri di letteratura italiana. In tal senso, il film ha sorpreso tutti inducendo il pubblico a percepire per ultimo una immagine di Giacomo Leopardi come quelle di un poeta forte che, fino all’estremo, lotta per cambiare “le regole scomode del suo tempo”.

Amour, un film calvario per gli spettatori.

Oggi desideriamo parlare di un film, di un grande film, vincitore di molti premi internazionali che definire straziante è poco. Non stiamo esagerando. Il tema è l’amore, la malattia e l’eutanasia. Vogliamo parlarne perché il film è un autentico capolavoro della cinematografia europea che merita attenzione in quanto tratta un tema delicato, complesso e al tempo stesso di scottante attualità. E' stato scritto e diretto da Michael Haneke, noto regista austriaco, ed è interpretato magistralmente dalla splendida coppia di ottuagenari francesi Jean-Louis Trintignant ed Emmanuelle Riva. Il film lo abbiamo visto due volte e siamo del parere che dovrebbe essere rivisto una terza volta per evitare di dare un giudizio affrettato. Questa recensione è pertanto incompleta e forse poco adeguata. Un vecchio maestro della scuola elementare del mio paese soleva dire che un film dovrebbe essere visto tre volte. La prima volta distrattamente. La seconda volta facendo attenzione a comprendere i particolari della trama e i diversi piani del suo contenuto. La terza per dare un giudizio di valore e nello stesso tempo trovare similitudini ed analogie con altre opere cinematografiche o romanzi letterari che possano permettere riflessioni di un certo spessore. Riconosciamo che il proposito è ambizioso e d'altra parte non mancano seri motivi per parlarne. In rete e sulla stampa c’è molta prudenza a non svelare il finale del film. Spesso si nota una esagerata attenzione a non parlarne troppo, perché il tema è scottante. Comprendiamo che non è corretto parlare di un film e comunicarne il finale a chi non l’ha visto perché si annulla l’elemento sorpresa. Ma ciò che non possiamo accettare è che con questa scusa si nasconde il tema dell’eutanasia volontaria dietro il timore di svelarne la parte finale. Ebbene, noi vogliamo andare controcorrente. Anticipiamo dunque la conclusione che si può trarre dall'analisi del contenuto e diciamo subito che il tema di fondo è la "soluzione" al problema dei malati terminali. Nel caso specifico è l’eutanasia volontaria della moglie (dal greco buona morte) e il conseguente suicidio del marito. Dunque, sfatiamo il fatto che la trama riguarda solo il tema della malattia di un’anziana professoressa di musica in pensione. E’ anche questo, ma non è solo questo. Dopo l’insorgere della malattia il vero filo conduttore del film è la questione della prospettiva di una vita di emarginazione, di solitudine e di sofferenza che prepara alla morte l'anziana donna oppressa da continue afflizioni e con le sue difficoltà fisiche e psicologiche dovute al suo status di anziana ammalata che si trova a vivere gli ultimi anni della sua vita nella società contemporanea. Georges e Anne, questi sono i loro due nomi, con la malattia di Anne, sperimentano cosa significhi essere vecchi e malati in una società che ha abbandonato alla deriva valori e solidarietà per gli anziani al limite della autosufficienza e che fa precipitare sempre più in una spirale di cinismo, egoismo e indifferenza la loro esistenza. Georges ama la moglie Anne. I due fanno una vita da pensionati, come è giusto che sia alla loro età. Il tran tran quotidiano viene purtroppo interrotto dall’imprevedibile ictus che la moglie subisce una prima volta all’inizio della sua parabola discendente e una seconda volta in modo più drammatico a distanza di pochi mesi. Settimane di attesa per Georges, un tempo indefinibile di inferno per Anne. La vita così come l’hanno finora vissuta subisce una virata drammatica in peggio e diventa impossibile vivere come prima. La dignità della donna è messa in discussione giorno dopo giorno. In un crescendo di situazioni sempre più disperate il regista gira le scene con la cinepresa ferma sempre nello stesso ambiente e sui volti dei due attori, in modo statico e monotono, esaltando la precarietà della loro vita. Costretti a vivere in un discreto appartamento parigino che mostra i segni del tempo e del passato i due attori sono bravissimi ad evidenziare stati d’animo che comunicano un trasporto emotivo e un dolore così intenso da paralizzare lo spettatore. Il film, nel secondo tempo, imprime una accelerazione violenta alla relazione fra i due, che fa passare lo spettatore da una partecipazione terza, pressoché estranea e disinteressata, ad un’altra più impegnata in prima persona quasi che la vicenda non interessasse più i due soggetti del film ma noi stessi. La vera forza di questo film è la potenza delle immagini che ci vedono specchiarci nel film come se fossimo noi i veri protagonisti di una vita futura da incubo ineluttabile. L’incalzare degli eventi è così ben calibrato e ben proposto che si passa sempre più da stati di pacata consapevolezza circa il tema della malattia degenerativa a stati di vera e propria ansia dagli sviluppi incerti in cui ci si chiede sempre più frequentemente che cosa potrà succedere di più grave di quello che si è già visto fino a quel momento. Quale sarà il finale? Già, il finale. In rete non ci sono recensioni che dicono come finirà. Tutte le informazioni si mantengono nel vago e nell’indistinto. “L'amore che unisce la coppia verrà messo a dura prova” recita una di queste. Ma che significa che verrà messo a dura prova? Che ci saranno difficoltà economiche per comprare medicine costose ad Anne? Che ci vorranno sforzi notevoli nel seguirla nel suo percorso di ripresa? Non si capisce. Tranne rare e poco conosciute recensioni che fanno cenno alla morte di Anne non c’è quasi nulla di preciso su ciò che sta per accadere alle due figure diventate per noi figure familiari. A Georges ed Anne, non solo ad Anne. Perché il dramma non è solo Anne allettata dalla malattia che la priva gradatamente di ogni facoltà e che la rende sempre più determinata a rifiutare medicine e cibo ma è soprattutto Georges, ovvero colui che appare più integro dei due, almeno nelle sue capacità psicologiche. Cosa passa per la sua mente quando nei rari momenti in cui si siede sulla poltrona e ascolta le note al piano di una registrazione musicale della moglie, in cui i suoi occhi la "vedono” alla tastiera del pianoforte come se l’onda del tempo si fosse fermata? In realtà la durezza, la spietatezza e la raggelante sequenza di idee che sviluppa il copione sono proposti dal regista per arrivare al punto in cui Georges commette l'insano gesto di uccidere per soffocamento la moglie con una lucidità e una determinazione che fanno male, molto male. Il film raggiunge vertici di drammaticità straordinariamente crudeli in cui la scena imprevedibile della morte per soffocamento della moglie fa da sfondo ineluttabile all’unica soluzione possibile, quella di una eutanasia volontaria che liberi la moglie e lui da ulteriori sacrifici insopportabili e, comunque, ormai inutili. Si tratta di 110 minuti di preparazione alla tragedia finale che lasciano in bocca l’amarezza che ci prende per i momenti successivi come se avessimo subito una devastante pugnalata allo stomaco. Sbigottiti dalla scelta del regista di far vedere la sequenza di immagini della morte di Anne siamo costretti a riflettere sull’accaduto per giungere a comprendere che il finale non poteva non essere che quello e quello soltanto: la morte di entrambi per scelta consapevole e concordata. Ci si ricorda a quel punto della scena iniziale del film, all’inizio poco decifrabile e senza senso dei vigili del fuoco che irrompono in un appartamento e trovano una donna anziana tutta vestita di nero morta da tempo in un letto. Era Anne vestita di tutto punto e dolcemente rivestita di petali di margherite che Georges, in un momento di struggente amore per la moglie ormai defunta, le ha comprato dal fioraio sotto casa dopo averla uccisa. Lo spettatore a quel punto è spacciato. Non ha più armi per difendersi dai duri e crudeli pensieri che lo pungono. Si percepisce subito che quel film lascerà su di esso e sulla sua vita futura una impressionante condizione di pessimismo cosmico. Il film introduce a questo punto una discontinuità tra “un prima” e “un dopo” della scena finale. L’interruzione e la rottura della continuità della vita non è tanto la morte di Anne. La sua morte era già stata compresa da tempo e non scombussola per questo. Il break vero e proprio è l’immagine della scomparsa della figura di Georges dalle scene successive che lasciano immaginare un suo gesto ultimo e disperato dopo la morte della moglie. Simona Pecetta, a questo proposito, dice che: "la morte e il morire che per lo più possiamo sperimentare sono il morire e la morte degli altri, di quelli che ci circondano e se la morte, per quanto assurda e imperativa, può essere compresa come condizione stessa del vivere umano il processo del morire, invece, non solo manifesta la fragilità umana, ma ne mette in questione la dignità. L'esperienza del morire dell'altro è allora una domanda che interroga l'uomo direttamente su cosa renda vita una vita. Che lo chiama a comprendere anche l'amore in nuove forme, in insoliti gesti". Avevamo già visto un altro film sull’eutanasia dal titolo Mare dentro, del regista spagnolo Alejandro Amenabar. Il paragone però non regge perché il film di Amenabar del suicidio assistito del paralitico allettato Ramòn Sampedro è prevedibile sin dalle prime scene e avviene con una forma di eutanasia che è attiva e neutra. Qui invece l’eutanasia è volontaria e soprattutto la storia avviene all’improvviso a mo’ di sorpresa. Amarissima ma sempre una sorpresa. Non ce l’aspettavamo. L’omicidio, perché di questo si tratta, è prodotto “a fin di bene”. Anne non può più parlare e dunque non può più vivere. La sua dignità di essere umano raggiunge il punto più basso nella scala dei sentimenti. Ormai nulla ha più senso per lei. Georges comprende che è finita per tutti e due. E dire che alcune scene danno l’idea che tra i due si fosse creata un’intesa che va oltre il non accompagnarla all’ospedale, ma di farla finita insieme, uno dopo l’altra. Sulla sorte di Georges il film non dice nulla. Ma è chiaro che la vita di Georges non ha più alcun senso. Mentre i sottotitoli scorrono sullo schermo nero ci sentiamo confusi, scossi e commossi come se ci avessero dato un pugno allo stomaco. Anzi molti di più e di seguito. E la mente che va per conto suo dove non dovrebbe mai andare: a noi, ai nostri familiari, ai nostri genitori, già morti da tempo e che con questo film sono morti una seconda volta creando di nuovo ferite mai risolte. I ricordi scorrono veloci e le sensazioni prodotte dalla storia di Georges e Anne creano assurdi handicap per il futuro. Il film obbliga a pensare in modo concreto e reale all’eutanasia. In Italia è ancora un tabù. Basti pensare a che cosa è successo con il “caso Englaro”, pallido esempio al confronto del contenuto del film di Haneke. Emanuele D'Aniello a questo proposito conclude la sua recensione del film Amour dicendo: «[...]nonostante tutto lo strazio ed il dolore, la povera Anne guardando vecchie foto capisce che una lunga vita vale la pena di essere vissuta. Certamente e giustamente, non va vissuta la morte».

Ancora vita.

Ci si può innamorare di un film? Si che si può. E’ successo tante volte. E poi i film sono prodotti con il non segreto desiderio di fare innamorare la gente. Dichiariamo pertanto che ci siamo innamorati del film di Uberto Pasolini dal titolo Still Life. Letteralmente il titolo significa “Ancora Vita”. In pratica lo possiamo tradurre come “Natura Morta” o “Una Vita Ferma”. Racconta la figura di un operatore comunale che accompagna amministrativamente al cimitero i cari estinti. La sinossi del film è breve ed efficace. Eccola.
Diligente e premuroso, il solitario John May è un impiegato del Comune incaricato di trovare il parente più prossimo di coloro che sono morti in solitudine. Quando il reparto viene ridimensionato a causa della crisi economica, John dedica tutti i suoi sforzi al suo ultimo caso, che lo porterà a compiere un viaggio liberatorio e gli permetterà di iniziare ad aprirsi alla vita.
Il film è dedicato a una figura reale, quella del funzionario comunale che si occupa delle esequie delle persone che non hanno familiari. Il regista ha affermato che “non è un film sulla morte, ma sulla vita". Siamo assolutamente d’accordo. Chi vede il film sappia che dopo non sarà più come prima. Il film obbliga a pensare alla morte con un’altra lente, più realistica e meno superficiale di quella che comunemente adoperiamo ogni giorno nella nostra quotidianetà. Il prezzo da pagare è che il “dopo” dà una comprensione amara della mortalità e della solitudine. Temi che sono più propri di un film drammatico che di un film poliziesco. Apparentemente il protagonista, l’ottimo Eddie Marsan, appare come una specie di investigatore privato. Non ha la durezza di carattere di un Philip Marlowe ma possiede la stessa determinazione a risolvere i casi più difficili. Il film ci è piaciuto per molte ragioni. Ci sono differenti piani di lettura del film, tutti interessanti. Si va dalla narrazione di una piccola storia effettuata con dolcezza e delicatezza da fare invidia agli spettatori romantici, all'elogio della categoria della lentezza che è uno strumento importante per interpretare correttamente il senso del film. Dalla capacità di guardare le relazioni umane nella vita a quelle che si riferiscono alla morte. Il protagonista sembra essere perennemente in bilico tra il ruolo di un investigatore e quello di un poeta. La sua maniacale ossessione della precisione diventa la strada maestra per comprendere il senso della sua vita, improntato alla massima solitudine ma allo stesso tempo consapevole di essere motivato per una giusta causa, che è poi quella della umanità, della pietà e della carità umana. Temi delicati questi in una società come la nostra nella quale la vita appare essere come una nave alla deriva, senza ideali ed entusiasmi, che si muove per inerzia. Il film ha anche un altro piano di lettura che descrive la dura realtà sociale del licenziamento del lento e scrupoloso impiegato dei servizi cimiteriali da parte del suo cinico superiore che ha lo scopo di tagliare “i rami secchi” del Comune. Tema drammatico e attuale questo dell'incertezza dei posti di lavoro. Colpisce l’impudente e sprezzante sguardo dell’impiegata, favorita del suo superiore, durante la comunicazione del licenziamento. La crisi economica e finanziaria attuale fa da sfondo a un film che prepara l’amarissima conclusione del film. Scene drammatiche e strazianti seguono questa ultima parte del film capolavoro di Pasolini che lo rendono emozionante e commovente fino alla massima spettacolarizzazione. Una menzione speciale va al sottofondo musicale creato dalla moglie del regista la bravissima compositrice al pianoforte Rachel Portman. La conclusione è che non si può prendere il domani come se fosse una cosa scontata. Qualcuno ha definito il film come il tentativo di dare senso e sostanza alle persone buone che rimangono celibi e senza amici, spesso le sole che contano nell'oceano nascosto della vera umanità. Chi non vuole provare simili sensazioni se la faccia alla larga da questo film e vada a vedere qualche soap opera. Si distrarrà di più e piacevolmente. Non tutti siamo uguali ad apprezzare i tragici momenti dell’arrivo della morte che in ogni caso arriverà per tutti. E sarà un guaio non averci pensato prima.

Unità d’Italia e filmografia della ricorrenza.

Abbiamo visto il film Noi credevamo. Proiettato nella saletta di un solo cinematografo della Capitale, i cui spettatori sembravano degli imprudenti “carbonari” (ricordiamo che questo è l’anno delle celebrazioni del 150° dell’Unità d’Italia), il film inquadra alcuni aspetti della storia dell'Unità e del Risorgimento. Ci sentiamo di definirlo un film forte e audace, nonostante somigli più a uno sceneggiato televisivo che a un film vero e proprio. Tre ore e cinque minuti di proiezione ininterrotta, senza un solo minuto di intervallo, rappresentano più di una pillola di conoscenza dell’evento storico epocale prodotto da un’accozzaglia di popoli che sono riusciti a mettersi insieme sotto forma di Stato moderno per puro miracolo. A favore del film di Mario Martone c’è da dire che il tema trattato è di difficile interpretazione in un paese come il nostro che tende da un lato a considerare inutile o a minimizzare il valore dell’Unità e dall’altro a privilegiare più le trasmissioni televisive come il Grande Fratello che film che trattano temi impegnati sul fronte storico e politico. Persino uno spot pubblicitario della Rai, che inneggiava all’Unità d’Italia mediante l’esplicito invito a considerare la lingua italiana un valore nazionale di unità, è stato boicottato dalla Lega del secessionista Bertoldo, Umberto Bossi. Una vera vergogna nazionale di cittadini che meriterebbero per punizione di vivere sotto il Regno delle due Sicilie. Il film, nonostante alcuni aspetti strani e inconsueti, è onesto e consegue l’obiettivo di rendere comprensibile che l’Unità d’Italia é stata una conquista ottenuta con sacrifici enormi da parte delle popolazioni meridionali. Se poi in sala, in cui sono presenti spettatori quasi tutti con i capelli bianchi, il silenzio e l’attenzione sono assoluti allora la commozione è senz’altro assicurata. Alla fine della proiezione un timido tentativo di applauso delle numerose “teste bianche” non è andato a buon fine per la fretta di uscire dalla sala dovuta ai muscoli rattrappiti e anchilosati dalle tre ore e passa del polpettone cinematografico. Detto questo, il film conferma ai nostri occhi ancora una volta l’idea che ripetiamo da otto anni su questo blog. E cioè, che se l’Italia fosse governata da uomini giusti e politici onesti e se gli italiani avessero la consapevolezza dell’importanza di un collante comune nello stare insieme, dando senso all’ idea unitaria di Nazione, questo paese sarebbe un sogno e la vita dei cittadini muterebbe in modo più che positivo. Invece, sin dall’inizio e in tutto il periodo dei 150 anni di vita nazionale, i politici, la chiesa cattolica, il potere bancario e finanziario, nonché le varie organizzazioni delinquenziali di questo variegato mondo di popoli differenti tra loro hanno sempre considerato le Istituzioni politiche ed economiche terra di conquista privata e jungla personale dove arraffare tutto a qualunque costo. Che peccato vivere in un paese dove il Grande Fratello permette anche ai partecipanti di bestemmiare senza che venga cacciato a calci nel sedere. Che pochezza! In questi 150 anni l’Italia é molto cambiata. Su un punto però è rimasta sempre la medesima: nella capacità che continuano ad avere i politici e i loro portaborse di derubare la collettività. Da questo punto di vista possiamo parodiare il titolo del romanzo autobiografico di Carlo Levi e dire che l’”Etica si è fermata ad Eboli” e il fallimento dello stare in comune tutti insieme è stato completo! Con buona pace dei Mazzini, Garibaldi, Cavour e dei numerosi Papi che sono arrivati persino a riconoscere la pedofilia di molti loro vescovi e sacerdoti senza che “i mercanti fossero scacciati dal tempio”. Che squallore!

Politica culturale e ignoranza degli italiani.

Piccola premessa. Noi italiani siamo dei perfetti ignoranti a proposito della cultura dei popoli dell'est europeo. Ignoranti nel pieno significato etimologico del termine, cioè privi di cognizioni, incolti, ovvero digiuni di avvenimenti culturali relativi a quel ricco mondo, a causa del fatto che noi abbiamo deciso di "non sapere" niente. Vogliamo fare una prova? Domanda: cosa sapete a proposito di arte, letteratura, poesia, teatro, musica e cinema dei seguenti paesi: Serbia, Slovenia, Bulgaria, Romania, Repubblica Ceka e Slovacca, Ungheria, etc.? Sapete dire, per ogni paese citato, il nome di un poeta famoso, di un regista importante, di un autore di teatro celebre, di un romanziere illustre, di un bravo pittore o di un direttore d'orchestra celebrato? No? Allora avevamo ragione: siamo proprio ignoranti! E sapete perché? Perché, a torto, consideriamo cultura solo ciò che è italiano. Ungaretti, Fattori, Gadda, Paganini, Eduardo De Filippo sono cultura; Kusturica, Bregovich, Prešeren, Čapek, etc. no! Gli altri dell'est europeo per noi non esistono, semplicemente perché noi ignoriamo che ci sono. Capite la gravità della situazione? E' scandaloso! La colpa sarà anche dei cittadini che non seguono adeguatamente la ricchissima produzione di opere culturali straniere. Ma il problema è che non sono stati messi nelle condizioni di poterle seguire. Certo la scuola ha le sue responsabilità. Ma la colpa più grave è della politica, perché la scelta partitocratica di centrosinistra o di centrodestra (è la stessa cosa) di affidare la politica dei Beni culturali quasi sempre a un potente uomo politico che in genere è un pessimo uomo di cultura produce l'ignoranza lamentata. Quando il principale organo di trasmissione di cultura, che in Italia è la TV, trasmette principalmente programmi da avanspettacolo, infarciti di veline e di calcio, e si sacrificano teatro, cinema, musica, letteratura, poesia, arte, etc. l'ignoranza non può non essere che la norma. Facciamo un solo esempio: la cinematografia dell'est europeo (ma anche di quella di altre parti dell’Europa e del mondo) è praticamente sconosciuta nel nostro paese, perché i media e le Tv si disinteressano delle varie filmografie di quei paesi. Questi film veicolano contenuti culturali polivalenti, in cui c'è storia, letteratura, musica etc., e lo spettatore italiano è disabituato a seguire questo genere di produzione. Questa cinematografia è pertanto ostacolata in modo vergognoso con la scusa che non fa audience. Infatti, altra domandina: quante sono le persone che hanno visto in Italia film come Underground di Emir Kusturica con le musiche di Goran Bregovic nei circuiti tradizionali? Quasi nessuno. Eppure il film ha vinto prestigiosi premi internazionali in tutta Europa. Come mai un film così interessante non è stato proiettato adeguatamente nelle sale cinematografiche del Bel Paese? Qui non ci sono misteri: c'è solo l'ignoranza di chi dovrebbe decidere di sostenere opere culturalmente valide e invece promuove spettacolini di varietà di livello infimo, come le trasmissioni televisive della Compagnia del Bagaglino! C'è di che vergognarsi per molti anni a venire dei nostri connazionali che ci governano.

Che tristezza vedere peggiorata l’immagine che avevamo di un nostro “caro amico d’infanzia”.

Carlo Pedersoli si è candidato alle elezioni regionali del Lazio nelle fila del partito di Forza Italia. Fin qui la notizia. Niente di strano che si conosca per tempo il nome di uno dei candidati alle prossime elezioni regionali. Siamo tuttavia dell’opinione, che di questa notizia ne avremmo fatto volentieri a meno. Insomma, avremmo voluto che il Sig. Pedersoli non si fosse candidato né nel partito del presidente del Consiglio, né in altri. Perché? Per la semplice ragione che Carlo Pedersoli è in realtà il vero nome del famoso attore Bud Spencer. Siamo letteralmente rimasti di stucco quando abbiamo appreso la notizia. Siamo rimasti male e francamente ci ha fatto provare contrarietà il dover prendere atto che un’altra apprezzabile figura, mito dei nostri anni di gioventù, abbia preso la decisione di entrare in politica col rischio concreto di svilire un’immagine, che dire che è stata un’icona è forse riduttivo. In questo momento di grande amarezza abbiamo subito pensato alle forti emozioni che questo straordinario personaggio del cinema western degli anni ’70 ci ha regalato con i suoi straordinari film di azione. La coppia Terence Hill e Bud Spencer rimane per noi, al tempo giovani loro ammiratori, uno dei rari esempi di attori che hanno interpretato figure cinematografiche educatrici di valori. Maestri nell’inculcare con le loro gesta il senso dell’essere sempre dalla parte dei più deboli, i valori dell’altruismo e della generosità, i buoni sentimenti dell’amicizia, li abbiamo sempre considerati nostri incorruttibili maestri, nostri fratelli maggiori, nostri amici di sempre. Che tristezza, pertanto, vedere una figura come quella di Bud Spencer rovinata dalla sua partecipazione nella politica italiana. Cosa potrà fare il Sig. Carlo Pedersoli, alla sua ormai non più giovane età, nell’Assemblea Regionale laziale? Quale contributo positivo alla politica regionale potrà portare se non quella di permettere alla squadra politica che lo ha ingaggiato di sfruttare la sua immagine e portare acqua (cioè solo voti) al mulino della macchina elettorale del centrodestra? Che Bud Spencer venga o meno eletto onorevole all’Assemblea Regionale del Lazio francamente non ci interessa. Ma poteva benissimo risparmiarci il fastidio di dover tracciare, ancora una volta, un segno di spunta nella casella dei nostri più piacevoli ricordi per eliminare dalla nostra mente uno dei personaggi che più di tutti ci hanno fatto provare delle magnifiche emozioni nella nostra infanzia. Peccato!

“L’amore di Màrja”, finalmente un film interessante con tante emozioni.

Oggi è un giorno speciale: ricorre il mio compleanno. E in una giornata speciale, non si può non pubblicare che un articolo speciale, serio, che permetta un istante di riflettere su cose meritevoli di considerazione, importanti. Pubblico una mia recensione. Si tratta della recensione di un film che mi è piaciuto. L’ultimo che ho visto.
Dal pressbook:

«"L'Amore di Màrja" non è una storia d'amore. E' la storia dell'Amore e della coerenza nell'Amore. Màrja è finlandese ha vent'anni, sono gli anni '70 e i suoi amori sono la pace, la fiducia nella possibilità di costruire un mondo nuovo con il suo compagno, Fortunato.
Fortunato è siciliano, lui e Màrja parlano due lingue diverse ma hanno gli stessi sogni. Insieme vanno a vivere in una comune e hanno due figlie, Alice e Sonia. Adesso Màrja ha altri due grandi amori: le sue figlie. Alle sue bambine insegnerà la pace, il potere dei sogni e della fantasia, la libertà della mente. Ma quando per tutto il resto del mondo il sogno della rivoluzione finisce e Fortunato dice a Màrja che è ora di diventare "adulti" e di "adattarsi" alla vita, Màrja non può abbandonare gonne hippie e sogni, non può farlo. Segue Fortunato in Sicilia, a casa sua, ma non smette di parlare a Alice e Sonia di un mondo sommerso, un mondo da trovare e da scoprire, un mondo di pace. E nonostante il pregiudizio, un ambiente esterno che rifiuta l'integrazione, sarà il "mondo sommerso" quello che Alice e Sonia inseguiranno sempre.
Cercheranno ovunque il mondo di pace, il mondo senza differenze, anche quando da grandi si sentiranno abbandonate da Màrja, tradite dal sacrificio della donna che per le sue figlie si perde, si annulla. Apparentemente.»

Avevo letto svogliatamente, nelle note cinematografiche di alcuni quotidiani, una breve recensione di questo film e mi ero ripromesso di andare a vederlo. Per curiosità, ma anche per altro. Mi è venuto il desiderio di vedere come la regista avrebbe affrontato il caso di un siciliano che ritorna nel suo paese natio, con la moglie straniera del lontano nord e le sue due bambine, per provare a vivere di nuovo nella realtà di un paesino così terribilmente diverso da quello della moglie. La trama, i personaggi, l’ambiente, gli attori, il regista, tutto invitava alla curiosità. Insomma, sembrava trattarsi di una visione non scontata e verosimilmente interessante.
Il film l’ho visto in un caldo e afoso pomeriggio, un pomeriggio pieno di desideri di evasione dalla quotidianità. Disponibile alle emozioni, ho pagato il biglietto e sono entrato in sala. “Straordinariamente interessante” è il giudizio che mi è venuto in mente alla fine della proiezione. Perché straordinariamente interessante? Che cos’ha di tanto speciale questo film da aver suscitato in me tanto interesse? Diciamo che due sono le ragioni che mi hanno indotto a considerarlo degno di attenzione. La prima ha a che vedere con il punto di vista di uno spettatore siciliano interessato alla vicenda, che conosce la realtà dei luoghi in cui è ambientato il film e la filosofia di vita che lo caratterizza. La seconda, dal senso dell’opera e dalla retrospettiva psicologica che il film apre alla riflessione personale.
Dal punto di vista cinematografico è un film ricco di significati, non è per niente banale e sfrutta un’idea originale. Il valore del film sta anche nella bravura degli attori adulti e bambini, nella capacità della regista di aver saputo costruire un’opera cinematografica plausibile e coerente con i temi sviluppati, che rispecchia moltissimo la realtà indagata. Ma la ragione più importante è da ricercare nella straordinaria capacità che ha il film di far provare emozioni. Non temo smentite se affermo che ci si commuove.
E’ un film straordinario perché vero, che racconta fatti come se fossero realmente accaduti, come se fossero stati scovati, da qualche parte, nel nostro vissuto. Si tratta di un’analisi spietata e realistica della condizione e della prospettiva di vita che può avere una famiglia nel profondo sud d’Italia se si fosse trovata nelle condizioni dei protagonisti. Condizione di vita che impone costrizioni e catene a chi tenta sventuratamente di penetrare tra le maglie della società meridionale manifestando il proprio pensiero in modo autentico, senza ipocrisie, proponendo modelli di comportamento secondo la propria visione del mondo. Società insulare che, nonostante ci si trovi alla fine del XX secolo, è rimasta profondamente intollerante e arcaica come un secolo fa. Parliamo di una società che discrimina non tanto perché è intrisa fino al midollo di superstizioni, di falsi miti, di pseudotradizioni e di assenza di ideali ma, soprattutto, perché è malata nel sistema dei valori umani.
Il film è temerario perché per la prima volta, con semplicità e straordinaria efficacia, affronta un tema di per sé carico di significati profondi che in genere gli indigeni tentano di nascondere, perché ritenuti disonorevoli. Per la prima volta in un film sulla “sicilianità”, si riesce a mettere a fuoco, con rara efficacia e grande maestria, fuori dagli stereotipi del siciliano con coppola e giacca di velluto, i difetti di quella società attraverso i gesti e i ritmi di vita condotti da bravi attori, non certo famosi, che interpretano il loro ruolo in modo verosimile ed espressivo. Valenti attori che non si identificano soltanto con i due principali protagonisti, ma anche con figure e ruoli che apparentemente sembrano marginali, ma che secondari non sono nell’economia del racconto cinematografico. Il gruppo di giovani che nella noia quotidiana della loro vita vuota e banale, palesano maschilismo e limitatezza umana. Il gruppo di avventori del “bar di fronte” che manifestano la loro reale concezione della vita calunniando in continuazione la povera moglie straniera. Tutto tremendamente realistico. Chissà quante altre volte si è verificata una situazione del genere in altre cittadine della Sicilia negli anni passati. L’incapace e insensibile suocera della protagonista che recita un classico ruolo di personaggio freddo, ostinato e, a tratti crudele, nella sua gretta e limitata concezione della vita. Per non parlare di un’efficace maschera di cognata professoressa, che in apparenza potrebbe sembrare che difenda la protagonista in quanto donna, ma che in realtà è un personaggio in negativo della società meridionale, senza alcun senso critico intorno alla immane tragedia che sta scuotendo la cognata e falsa nella sua condizione di donna di successo in quella società, per il solo fatto di avere un titolo di studio, un “pezzo di carta”.
Un quadro a sé rappresenta il marito di Màrja, che merita un discorso a parte. Non so quanto volutamente, ma sembra che la regista abbia collocato il padre delle due deliziose bambine, al centro di un grande buco nero, in cui tutto è possibile immaginare sulla sua personalità ma che nulla è chiaramente delineato. Non so quanto possa essere stata intenzionale la scelta della regista di nascondere il retroscena psicologico che la lega al padre. Questo sconosciuto, di cui non si sa quasi nulla se non che lavora “per mantenere la famiglia”, che si esprime in un buon parlato dialettale ma che rimane una figura inetta, senza tratti decisi di padre che ama, sullo sfondo di una imminente tragedia. Il ruolo di marito siciliano gli si addice bene nel momento in cui assume il ruolo di tutore economico della famiglia, la sola cosa che sembra importargli. Quasi mai in primo piano se non con interventi e azioni di padre insensibile alle esigenze affettive della moglie, fugge dalle sue responsabilità sistematicamente, per il solo fatto di non porsi delle domande su dove stia andando la sua famiglia. Il quadro di comportamenti e di relazioni che lo caratterizzano lasciano supporre una personalità immatura di giovane di famiglia, coltivato e sempre giustificato dal contorno familiare. Manifesta più volte il suo sconcerto di marito, laddove non riesce a capire che nella vita coniugale esistono altri aspetti, altrettanto importanti oltre gli interessi economici. In poche parole, si ha la sensazione che è quasi come se si volesse dire che “il padre ha delle responsabilità, ma non è consigliato approfondire i suoi difetti”. Sicuramente è un debole, una persona senza energia, incapace di mostrare tutto l’affetto che dichiara in continuazione di nutrire per moglie e figlie, che non ha la capacità o, addirittura, il coraggio di comprendere Màrja immersa nelle mille difficoltà che la società siciliana impone a chi proviene da una cultura diversa. Un individuo interessato solo a giustificare la propria esistenza col solo scopo del guadagno di denaro per mantenere la famiglia. Se ne trovano molti di questi soggetti nella Sicilia di tutte le province. Sono uomini che vivono non “per la famiglia” ma “per il buon nome” della famiglia, ai quali interessa solo non essere mai “sulla bocca della gente” e il cui massimo obiettivo nella vita è essere sintonizzati sull’assoluto conformismo della società del luogo.
Il marito è un uomo meridionale, che inizialmente, al di fuori del contesto natio, nella fredda terra scandinava è sembrato essere un giovane come gli altri, che inserito in un ambiente non suo si è dovuto adeguare alla cultura del paese nordico che lo ospitava, per non rimanerne emarginato. Probabilmente ha nascosto la sua vera natura, ha approfittato della sua originalità esotica, fisica e geografica, proveniente da una terra lontana, mediterranea, latina, dai capelli e dagli occhi scuri. Ha fatto colpo su Màrja, approfittando della tradizionale ospitalità scandinava, creando i presupposti per una sua vita sociale in quelle fredde terre del nord. In verità, aveva altri scopi. Probabilmente il suo vero traguardo era quello di rientrare in Sicilia appena lo avesse deciso. Magari si sarà più volte lamentato per il cibo, per la mancanza di calore della gente del luogo, per il clima, per la presenza sistematica della neve, per il freddo. Lui che nel suo paese non l’ha mai vista una sola volta nella vita, in cui il sole e le bellezze della natura costituiscono lo sfondo delle sue reiterate richieste di rientro nella terra del sole e della luce. La sua costante preoccupazione sarà stata il rientro a casa sua, dai suoi genitori, ossessivo fino al fastidio più completo. Gli serviva il rientro perché la nostalgia degli amici al bar lo sollecitavano a far vedere la sua bravura nell’avere convinto una brava e bella ragazza bionda a sposarlo. Ma reinserito nel suo vecchio ambiente ritrova tutti i motivi per essere di nuovo un vero siciliano, in negativo. Emergono così i suoi difetti, i suoi limiti, profondi come solchi che dividono, invece di unire. Ritorna a parlare una lingua diversa di quella di Màrja, non riesce più a comunicare neanche con le figlie. Ma, soprattutto, non è più in grado di intendersi con la moglie, di cui non capisce più i sentimenti e le esigenze affettive che lo avevano indotto a sposarsi. Adesso le parti si sono invertite. Ed è Màrja che desidera ritornare nel suo paese. Fino all’arrivo in Sicilia era riuscito a mascherare le sue lacune, i suoi difetti, la sua impreparazione alla vita, a causa anche della mancanza di studi, perchè non era laureato come la sorella, conseguenza delle sue scelte giovanili. Ma adesso, reinserito nella vecchia cultura e sotto la tensione e i condizionamenti adoperati dall’ambiente, è costretto ad essere se stesso, a non poter più mentire con gli altri e così emerge per intero la sua figura di soggetto mediocre, frustrato dalla mancanza di un posto fisso, tipica esigenza delle famiglie meridionali. Un uomo che, davanti alle mille difficoltà incontrate dalla coppia, riesce a trovare la scusa per evadere dalle sue responsabilità è un pavido, non è un uomo. E così emigra di nuovo, lasciando il paese. Strano destino il suo. Questo passaggio nel film è tuttavia un po’ oscuro, incompleto, lascia aperto uno spazio di ambiguità. Egli, comunque, sembra trovare un po’ di fortuna all'estero, riesce a dare mezza sicurezza economica alla famiglia ma produce un disastro dal punto di vista dei sentimenti e dell’affetto. Ma i soldi non bastano mai e la vita delle tre donne, praticamente abbandonate e lasciate completamente sole alla mercé delle malelingue del paese, alimenta una drammatica esistenza. Che colpo al cuore è questo per Màrja che crede fermamente nell’affetto e nel legame del matrimonio. Non è importante la religione, cattolica o luterana. E’ maledettamente importante lo stato d’animo, l’ansia, l’angoscia che si prova quando sono in ballo valori come i sentimenti dei bambini piccoli, abbandonati dal padre. E’ essenziale l’amore verso la propria moglie, il senso dell’infinita solitudine che esiste al di fuori del tradizionale scenario di una famiglia unita, raccolta intorno all’albero di natale, con o senza stella in cima. La vita delle tre donne, pertanto, diventa ogni giorno sempre più difficile, diventa colma di angoscia, piena di paura di emarginazione, di violenza subita a scuola e fuori della scuola frequentata dalle figlie, che produce nella giovane mamma finlandese un trauma violento e subdolo, che la avviluppa nella spirale di una terribile malattia mentale. La malattia, ovvero la cosa peggiore che può capitare a una donna meridionale. Una pazza, da tenere lontana, come un’appestata. Incompresa, guardata male, ingrassata, alla donna non rimane altro che la clinica mentale, severo e terribile tribunale che emette solo condanne. L’effetto della sua provenienza, la conseguenza del marchio d’origine impressole dal paese nordico da cui proviene, in cui le donne sono solo nel migliore dei casi svergognate donnine allegre o peggio un diavolo nascosto sotto i capelli biondo grano con il corpo piacevolmente snello, ha un solo risultato: la depressione e l’autoisolamento.
E’ un film che fa toccare con mano i difetti, i condizionamenti, i limiti e le incapacità di un mondo che sa offrire solo apparenze e finzioni. Il teatro dell’angoscia è peraltro ben rappresentato dalla regista con il trascorrere degli anni dei protagonisti, che procedono verso cambiamenti irreversibili, percepibili non solo dalla trasformazione del linguaggio delle figlie, ma anche di prospettiva di vita. L’universo familiare sta cambiando, anno dopo anno. Non sono più gli stessi. Non si riconoscono più. I protagonisti del film vivono la loro condizione di alienazione costretti ad alimentarsi dell’unico cibo a loro disposizione, cioè i difetti della società locale, società malata di conformismo e di omertà, che diseduca i figli e li fa crescere alla corte della peggiore delle educazioni possibili.
Nel film si notano una denuncia dei mali della società attuale, con i suoi falsi miti: l’ostentazione del denaro come status sociale, la degradazione dovuta alla droga come falso e illusorio tentativo di evasione. Ma anche il conformismo, l’omertà e il cinismo sono aspetti affrontati bene dall’ottima regista. Il film offre spunti e sollecitazioni interessanti alla riflessione personale che sono degni di attenzione e permettono alcune letture seminascoste di tipo bergmaniano fra le pieghe dei fotogrammi.
Bellissima e straordinaria è la recitazione delle due bambine, soprattutto forte e profonda riesce l’immedesimazione nel personaggio alla giovane Erika Lepistö, nella parte di Alice bambina. Cosa dire di queste due dolci creature? Tutti abbiamo voluto avere nella nostra vita di genitori due bambine come loro. Belle, educate, sensibili, affettuose, intelligenti, con un perenne sorriso tra le labbra non si può dire che si rendano mai sgradevoli. Ma la caratteristica che sorprende è la loro capacità di diventare complici con la madre nei momenti difficili della loro esistenza. Complicità che non verrà meno nella vita. Toccanti nel momento in cui riescono a comprendere l’amarezza e l’angoscia della madre alla notizia che la nonna nordica è morta. Straziante è per lo spettatore, assistere a questo insopportabile effetto della durezza della vita. E’ il momento in cui le lacrime possono correre copiose sul viso dello sgomento spettatore. Entrambe le bambine riescono magistralmente a evidenziare un quadro affettivo commovente per la loro toccante carica amorosa e sentimentale che riescono a manifestare. Sorprendenti creature, solo motivo per la sopravvivenza di qualunque madre, si comprende come l’amore di Màrja per le figlie le abbia potuto far superare in parte la crisi mentale di cui è stata vittima per le ragioni citate in altra parte di questa modesta riflessione. Sulle bambine si pensa che si possa dire poco. In realtà non è così. Cosa può esistere di maggiormente significativo nella società siciliana se non i figli? Non dimentichiamo che i siciliani sono famosi per il forte legame che riescono a stabilire tra i membri di una famiglia. In particolare tra genitori e figli. Famose sono le vicende narrate nella letteratura in cui si raccontano i rapporti intensi tra madri e figlie.
Ma la prima lettura, quella dominante per tutta la durata dell’opera, è chiaramente l’interpretazione magistrale della coraggiosa figura di Màrja, il suo protagonismo positivo, nel bene e nel male, la sua rinuncia alla fuga, nonostante le forti delusioni e i pesanti condizionamenti, al limite del ricatto. Sì, anche questo. Tragedia dei nostri tempi, anche qui si fa ricorso a questo cattivo esempio di condizionamento. “O fai quello che ti dico io oppure i bambini rimangono qui con me e tu vai via”! Ecco. Le parole che nessuno vorrebbe mai sentire sulla bocca del coniuge. Non so quante donne, oggi, non sarebbero fuggite via da quell’uomo anaffettivo, con o senza figlie, e da una società, incapace a sua volta, di fare, come dice la regista, “passi decisi per favorire il suo inserimento nella nuova realtà, così diversa dalla propria”. La mancanza di qualunque accenno a odio, vendette, cattiverie, e violenze tipiche, viceversa, della società indigena, insieme al forte senso di responsabilità che caratterizza la sua intera vita consumata nel paesino per permettere alla figlie di avere un futuro dignitoso è una delle cose più positive e insieme la chiave di lettura privilegiata per una corretta interpretazione del senso autentico del film. L’amore per le donne e l’amore delle donne, tocca qui l’apice e rende lirica l’interpretazione di Màrja.
Altrettanto si può dire dello struggente messaggio finale che il film propone a conclusione di tutto il percorso. Una nuova vita, da nonna insieme alle figlie, nella capitale, che nasce dalla scelta di abbandonare definitivamente il paese del marito. Forse, quella della partenza, con la prevedibile figura del piroscafo che collega le due sponde dello Stretto e del lungo nastro di asfalto che si sviluppa tra il luogo di perdizione isolano e la nuova vita romana, è un alto momento lirico, catartico, indispensabile per rinascere a nuova vita.
Allo spettatore normale, queste scene possono non dir nulla. E’ un suo diritto. Ma allo spettatore interessato alla indagine psicologica, sottile, tipica dei film scandinavi, dicono invece molto. Non esiste siciliano che non associ al concetto di ritorno, nei cari luoghi della nascita e della propria fanciullezza, il ricordo del ruolo che svolge il “ferryboat”, nel suo immaginario della terra natia. Non si tratta di un semplice collegamento fisico con i luoghi della propria infanzia. C’è molto di metaforico e il senso di una intera vita si racchiude nelle fortissime sensazioni dell’emigrante che ritorna, o che parte, dalla Sicilia con i profumi intensi del mare dello Stretto e degli arancini di riso che si mangiano sulla nave. Le immagini del porto siciliano e delle sue case che si avvicinano sempre di più, o, nel caso inverso, che si allontanano decisamente verso un orizzonte che lascia tutti in preda a una straziante nostalgia e solitudine, costituiscono un elemento inscindibile per dare “senso” al viaggio dell’emigrante che parte ma non sa quando ritorna, che si allontana ma non sa quando rientra.
Il film esce vincente anche perché è un film pulito, aggraziato, senza la presenza di scene di violenza gratuita, così come è un successo straordinario oggigiorno vedere un film senza scene di amplessi sessuali ancor più inutili.
Straordinaria storia ed eccezionali le sensazioni e le forti emozioni provate durante e dopo la visione al ricordo dei vari fotogrammi. Efficaci e toccanti le musiche. E’ un film che ne esce bene e rimane un buon esempio di cinematografia artistica. Auguri alla regista per la sua futura attività. Peccato che il film non è stato compreso interamente dal gotha cinematografico italiano, tutto preso da una filmografia imbellettata di bellimbusti muscolosi e di attrici troppo truccate in mediocri pellicole di attualità.